Here's what I'm scatting about this week :
Sing this!
HeyReader,
Some time ago my teacher, Greg Enriquez, said something that puzzled me. I’ll paraphrase, but he said that you need to develop your vocal skills so that you can do whatever the conductor/director asks of you. I was a little puzzled because my thought was that I simply needed to be able to do the things I want to do with my voice. I wasn’t concerned about what others wanted from me.
While that seems logical, a professional singer often has to take some kind of direction from somebody whether that is a bandleader, a producer, composer or a music director etc. These people are tasked with having a global vision of how all the musical puzzle pieces fit together. Each individual is usually only concerned with their part. It’s almost like having musical blinders on.
What that means is that we don’t always get to sing exactly what we want on stage. We have to make some compromises, especially if we are not the creative director. But more importantly what that means is that our technique and musicianship must immediately rise to whatever is being asked of us.
Here are some examples of things a director might ask of a singer:
- Sing a phrase softly, but not breathy
- Sing a phrase 1 octave above or below what is written
- Sing the rhythm more laid back
- Sing the phrase more staccato or legato
- Sing the phrase rubato or completely out of tempo
- Decrescendo on the high note etc.
These are just a few things you might encounter.
A few years ago when I was singing gospel with the classical Orchestra of André Rieu, he asked me to create a cadenza on the spot which I did. He liked it but he wanted the final note to be higher. I think I sang an F5 which to the ear is high enough, but not for Maestro Rieu. He kept saying higher, higher, higher, higher after each note I sang. Finally I sang a whistle note, F6 and he was satisfied.
I was slightly annoyed because I knew that I would have to sing this note night after night, BUT I now had a full understanding of what Greg meant. I was not hired to serve my own egotistical desires. I was hired to serve the music as envisioned by André Rieu. I was very pleased to be able to do what he asked of me.
Another very important lesson in this is that, these kinds of situations stretch you as a musician. There is no way I would have chosen to sing a whistle note to finish a song at that point in my career. The lesson here is, if your mindset, technique and musicianship are flexible, you can take direction from ANYONE and still sound like you!
Fast forward to a big band jazz concert I had the other night in Vladikavkaz, Russia. During rehearsal, the conductor explained that on “Summertime” from Porgy and Bess, he wanted me to sing a mix of jazz and opera. What I noticed was that the key would either put me in a rather low part of my voice which was perfect for jazz or a rather medium high part of my voice which would lend itself to singing operatically. He asked me to start with jazz and then after the solos come in with the operatic version. I did exactly as he asked and to my surprise I instinctively finished the last note on a floating whistle tone (G6). It was effortless and it made musical sense. The conductor was happy and the audience clapped for 3 whole minutes.
Would I have made that choice had André Rieu not obliged me to do that very same thing years ago? I’ll never know. But what I do know is that being able to work with all kinds of directors, whether you agree with their musical choices or not, shapes you as a musician. Today, I mainly sing jazz, gospel and rnb, but whenever possible I’ll add in a bit of my classical self, because all of that is who I am as a singer. That IS my vocal identity, a culmination of all of the music I have sung and all of the people I’ve worked with.
So let me ask you a question, does your technique and musicianship currently allow you to take direction from anybody? If not, what areas do you need to strengthen in order to be up to task?
Musically,
Monique
Voici le scat du jour :
Chante ça !
SalutReader,
Il y a quelque temps, mon professeur, Greg Enriquez, a dit quelque chose qui m’a laissée perplexe. Je vais paraphraser, mais il a dit que tu dois développer tes compétences vocales afin de pouvoir faire tout ce que le chef d’orchestre/directeur te demande. J’étais un peu perplexe parce que je pensais simplement que j’avais besoin d’être capable de faire les choses que moi je voulais faire avec ma voix. Je ne me préoccupais pas de ce que les autres voulaient de moi.
Même si cela semble logique, un·e chanteur·se professionnel·le doit souvent recevoir une forme de direction de la part de quelqu’un, que ce soit un·e chef·fe de groupe, un·e producteur·rice, compositeur·rice ou directeur·rice musical·e, etc. Ces personnes ont pour mission d’avoir une vision globale de la manière dont toutes les pièces du puzzle musical s’assemblent. Chaque individu n’est généralement préoccupé·e que par sa propre partie. C’est presque comme avoir des œillères musicales.
Ce que cela signifie, c’est que nous ne pouvons pas toujours chanter exactement ce que nous voulons sur scène. Nous devons faire certains compromis, surtout si nous ne sommes pas la personne qui dirige la création. Mais plus important encore, cela signifie que notre technique et notre musicalité doivent immédiatement s’élever au niveau de tout ce qu’on nous demande.
Voici quelques exemples de choses qu’un·e directeur·rice pourrait demander à un·e chanteur·se :​
• Chante une phrase doucement, mais sans souffle
• Chante une phrase 1 octave au-dessus ou en dessous de ce qui est écrit
• Chante le rythme de manière plus relâchée
• Chante la phrase de façon plus staccato ou legato
• Chante la phrase rubato ou complètement hors tempo
• Fais un decrescendo sur la note aiguë, etc.
Ce ne sont là que quelques situations que tu pourrais rencontrer. Il y a quelques années, quand je chantais du gospel avec l’orchestre classique de André Rieu, il m’a demandé de créer une cadence sur le moment, ce que j’ai fait. Cela lui a plu, mais il voulait que la note finale soit plus haute. Je crois que j’ai chanté un F5 qui, à l’oreille, est largement assez aigu, mais pas pour Maestro Rieu. Il n’arrêtait pas de dire plus haut, plus haut, plus haut, plus haut après chaque note que je chantais. Finalement, j’ai chanté une note sifflée, F6, et il a été satisfait.
J’étais légèrement contrariée parce que je savais que j’allais devoir chanter cette note soir après soir, MAIS j’avais alors parfaitement compris ce que Greg voulait dire. Je n’avais pas été engagée pour servir mes propres désirs égocentriques. J’avais été engagée pour servir la musique telle qu’elle était imaginée par André Rieu. J’étais très heureuse de pouvoir faire ce qu’il me demandait.
Une autre leçon très importante là -dedans, c’est que ce genre de situations t’étire en tant que musicien·ne. Il n’y a aucun moyen que j’aurais choisi de chanter une note sifflée pour terminer une chanson à ce stade de ma carrière. La leçon ici, c’est que si ton état d’esprit, ta technique et ta musicalité sont flexibles, tu peux recevoir des directives de N’IMPORTE QUI tout en continuant à sonner comme toi !
Avançons jusqu’à un concert de big band jazz que j’ai eu l’autre soir à Vladikavkaz, en Russie. Pendant la répétition, le chef a expliqué que sur « Summertime » de Porgy and Bess, il voulait que je chante un mélange de jazz et d’opéra. Ce que j’ai remarqué, c’est que la tonalité me placerait soit dans une partie plutôt grave de ma voix, ce qui était parfait pour le jazz, soit dans une partie moyennement aiguë de ma voix, ce qui se prêterait au chant lyrique. Il m’a demandé de commencer en jazz puis, après les solos, d’entrer avec la version opératique. J’ai fait exactement ce qu’il demandait et, à ma surprise, j’ai instinctivement terminé la dernière note sur une note sifflée suspendue (G6). C’était sans effort et cela avait un sens musical. Le chef était content et le public a applaudi pendant 3 minutes entières.
Aurais-je fait ce choix si André Rieu ne m’avait pas obligée à faire exactement cette même chose des années plus tôt ? Je ne le saurai jamais. Mais ce que je sais, c’est qu’être capable de travailler avec toutes sortes de directeur·rice·s, que tu sois d’accord ou non avec leurs choix musicaux, te façonne en tant que musicien·ne.
Aujourd’hui, je chante principalement du jazz, du gospel et du rnb, mais dès que possible j’ajoute un peu de mon moi classique, parce que tout cela fait partie de qui je suis en tant que chanteuse. C’EST mon identité vocale, une culmination de toute la musique que j’ai chantée et de toutes les personnes avec qui j’ai travaillé.
Alors laisse-moi te poser une question : est-ce que ta technique et ta musicalité te permettent actuellement de recevoir des directives de n’importe qui ? Sinon, quels domaines dois-tu renforcer afin d’être à la hauteur de la tâche ?
Musicalement,
Monique
Traduction fait par Carla Pulcini
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