🎤The Unforgettable Singer

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🇫🇷Français en Bas👇

Here's what I'm scatting about this week :

Sing without singing

Hey Reader,

I’m sure by now you know how important I think it is to practice regularly to get the best results. But I’m pretty sure I never talked about a way to practice singing, without actually singing.

Huh???

Let me explain. There are so many pieces to the singing puzzle that we vociferous singers forget that we need time to think, to explore and to plan out how we want things to sound. If all you ever do is sing and you never stop to make a plan about how you want things to go, you’ll simply keep doing the same things over and over.

This step is largely overlooked by singers and it is the reason your singing probably sounds stale, fake or simply uninspired. Here’s what I want you to do…..

I want you to take the time with one of your songs and map out exactly how you want it to sound. It doesn’t matter if the song is a cover tune or an original. What is important is that the listener gauges your point of view.

It’s not enough to say, “this song is happy or sad”. You must dive deeper. There are many types of happiness and sadness. For instance, you’re happy because your first child is born, or you are reunited with a long lost lover or you just got a new cat or puppy.

Sadness is also diverse. There’s the melancholy an older person has when they realise how much they have changed, or when a person realises their love has ended or when a person dies. As you can see these feelings are VERY specific.

The more specific you become about what you are actually saying, the more your voice will react to it. In other words you find the exact word that describes how YOU feel and then you ask yourself what does that sound like.

Now remember, singing a song is story telling. Stories have a beginning, a middle and an end. This means that if a song has some form of sadness, it doesn’t just stay there, it evolves. We the audience must hear this evolution. You must take us on an emotional, musical journey. This is where the mapping comes in.

Mapping is when you take your lyric sheet (yes I expect you to write or type out a lyric sheet!) and write in dynamic changes, word accents, specific onsets (how you start a note) and cutoffs (how you end a note) There could also be texture changes (legato and staccato) as well as changes in your vocal quality. You might even add in some embellishments or improvise parts of the melody.

If you’ve been reading my newsletter for a while or you study with me, you know that this is your style work. This work typically happens once you’ve learned the song and have applied your vocal technique so that you are free vocally.

But honestly, how many of you actually take the time to do this? 🦗🦗🦗

Most singers just learn the tune, fix the technique and hope that is enough to have a great performance. IT IS NOT. If you are not taking the time to lay this all out, you are not stylising the song. You’re simply doing “copy paste” singing and that won’t cut it.

What’s great about this is that you can do it when you’re sick or cannot sing because you’re on the plane or train etc. You truly tap into your imagination and give a definite shape to your artistry. I cannot overstate how important it is to get your imagination involved in your singing.

Now the first few times you do this, it will be very difficult. It may even feel impossible unless you are used to using your imagination. Keep going anyway, I promise you that a few moments of discomfort and frustration are worth the lifetime of individualized, professional singing that it will yield!

So remember these steps for practicing without singing a word and ultimately stylising your song :

-Take your lyric sheet and decide your ultra specific point of view
-Design how each section will sound taking into consideration that verses, choruses and bridges shouldn’t sound the same. (Remember the beginning, middle and end of the story)
-When choosing your dynamics, it can be helpful to use a system for 1-10, 10 being the loudest.
-Once your map is complete, try to imagine how your voice will sound in your head from the beginning to the end. DO NOT SKIP THIS STEP. If you can’t hear it in your head, you can’t perform it.

You may need to work with your teacher on how to get some of these styles to sound authentic using your technique!

Make this work a part of your weekly practice and I promise you your singing will change exponentially. Stop leaving your singing to chance and create a plan! You’re welcome. 😉

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​Musically,
Monique

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Voici le scat du jour :

Chant sans chanter

Salut Reader,

Je suis sûr·e qu’à présent tu sais à quel point je pense qu’il est important de pratiquer régulièrement pour obtenir les meilleurs résultats. Mais je suis presque sûr·e de ne jamais avoir parlé d’une manière de pratiquer le chant, sans réellement chanter.

Hein ???

Laisse-moi t’expliquer. Il y a tellement de pièces au puzzle du chant que nous, chanteur·euse·s vociférant·e·s, oublions que nous avons besoin de temps pour réfléchir, explorer et planifier la façon dont nous voulons que les choses sonnent. Si tout ce que tu fais, c’est chanter et que tu ne t’arrêtes jamais pour faire un plan de la façon dont tu veux que les choses se passent, tu continueras simplement à faire les mêmes choses encore et encore.

Cette étape est largement négligée par les chanteur·euse·s et c’est la raison pour laquelle ton chant sonne probablement fade, faux ou simplement sans inspiration. Voilà ce que je veux que tu fasses…..

Je veux que tu prennes le temps, avec une de tes chansons, de cartographier exactement comment tu veux qu’elle sonne. Peu importe que la chanson soit une reprise ou une composition originale. Ce qui est important, c’est que l’auditeur·ice perçoive ton point de vue.

Ce n’est pas suffisant de dire : « cette chanson est joyeuse ou triste ». Tu dois aller plus loin. Il existe de nombreux types de joie et de tristesse. Par exemple, tu es heureux·se parce que ton premier enfant vient de naître, ou parce que tu retrouves un amour perdu depuis longtemps, ou parce que tu viens d’avoir un nouveau chat ou chiot.

La tristesse aussi est diverse. Il y a la mélancolie qu’une personne âgée ressent lorsqu’elle réalise à quel point elle a changé, ou quand quelqu’un réalise que son amour est terminé, ou quand une personne meurt. Comme tu peux le voir, ces sentiments sont TRÈS spécifiques. Plus tu deviens spécifique à propos de ce que tu dis réellement, plus ta voix va réagir à cela. En d’autres termes, tu trouves le mot exact qui décrit ce que TOI tu ressens, puis tu te demandes : comment est-ce que ça sonne ?

Maintenant souviens-toi, chanter une chanson, c’est raconter une histoire. Les histoires ont un début, un milieu et une fin. Cela signifie que si une chanson contient une forme de tristesse, elle ne reste pas simplement là, elle évolue. Nous, le public, devons entendre cette évolution. Tu dois nous emmener dans un voyage émotionnel et musical. C’est là que la cartographie entre en jeu.

La cartographie, c’est quand tu prends ta feuille de paroles (oui, je m’attends à ce que tu écrives ou tapes une feuille de paroles !) et que tu y notes les changements de nuance, les accents sur certains mots, les attaques spécifiques (la façon dont tu commences une note) et les coupures (la façon dont tu termines une note). Il peut aussi y avoir des changements de texture (legato et staccato), ainsi que des changements dans ta qualité vocale. Tu peux même ajouter quelques ornements ou improviser certaines parties de la mélodie.

Si tu lis ma newsletter depuis un moment ou que tu étudies avec moi, tu sais que c’est ton travail de style. Ce travail arrive généralement une fois que tu as appris la chanson et appliqué ta technique vocale afin d’être libre vocalement.

Mais honnêtement, combien d’entre vous prennent réellement le temps de faire ça ? 🦗🦗🦗

La plupart des chanteur·euse·s apprennent simplement le morceau, corrigent la technique et espèrent que cela suffira pour offrir une grande performance. CE N’EST PAS LE CAS. Si tu ne prends pas le temps de tout poser clairement, tu n’es pas en train de styliser la chanson. Tu fais simplement du chant en « copier-coller » et ça ne suffit pas.

Ce qui est génial avec ça, c’est que tu peux le faire quand tu es malade ou que tu ne peux pas chanter parce que tu es dans l’avion ou le train, etc. Tu fais vraiment appel à ton imagination et tu donnes une forme précise à ton art. Je ne pourrai jamais assez insister sur l’importance d’impliquer ton imagination dans ton chant.

Maintenant, les premières fois que tu feras ça, ce sera très difficile. Ça pourra même sembler impossible, sauf si tu as l’habitude d’utiliser ton imagination. Continue quand même, je te promets que quelques moments d’inconfort et de frustration valent une vie entière de chant personnel et professionnel que cela produira !

Alors souviens-toi de ces étapes pour pratiquer sans chanter un seul mot et finalement styliser ta chanson :​
-Prends ta feuille de paroles et décide de ton point de vue ultra spécifique.
-Conçois comment chaque section sonnera en prenant en compte que les couplets, refrains et ponts ne devraient pas sonner pareil. (Souviens-toi du début, du milieu et de la fin de l’histoire)
-Quand tu choisis tes nuances, il peut être utile d’utiliser un système de 1 à 10, 10 étant le plus fort.
-Une fois ta cartographie terminée, essaie d’imaginer dans ta tête comment ta voix sonnera du début à la fin. NE SAUTE PAS CETTE ÉTAPE. Si tu ne peux pas l’entendre dans ta tête, tu ne peux pas l’interpréter.

Tu auras peut-être besoin de travailler avec ton/ta professeur·e pour apprendre à rendre certains de ces styles authentiques grâce à ta technique !

Fais de ce travail une partie de ta pratique hebdomadaire et je te promets que ton chant changera de manière exponentielle. Arrête de laisser ton chant au hasard et crée un plan. De rien. 😉

​
​Musicalement,
Monique

Traduction fait par Carla Pulcini

Bâtiment 19 rue des Terres Neuve 33130 BEGLES

FRANCE
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