Here's what I'm scatting about this week :
Being the weakest link
Hey Reader,
Throughout my singing career, the thing that has helped shape me is that I was always surrounded by musicians who were better than me. I mean those people were kicking my azz, some gently, some not so gently. It was a bit scary at first but ultimately it made me a much better musician and in much less time than if I were the big fish in a little pond. Not only were most of the musicians better than me, many of them were also older than me and I’m truly grateful. Here are the things I learned while being the weakest link:
I learned how important it was to know the music language. If I want to call myself a musician (yes singers are musicians too), I must be fluent in the musical language. That means I need to be able to talk about keys, chord changes, rhythms, song structure, etc.
I learned how important my music culture and history are. Older musicians know a lot of damn songs but they often know super anecdotes that make talking about the songs fun. They’ve read biographies, have seen films on the subject and have even met and played with some of the greats. Knowing the culture is a must if you want to have an authentic sound in whatever style you play.
I learned that musicians know the history of their instrument. A drummer with whom I play often, can tell you everything about how the modern drum kit came to be, how the sound changed, how drumming technique developed and the major players throughout the years.
How many of you know the history of the genre of music you sing and the history of vocal technique?
I learned it’s important to know a lot of songs but also bodies of work. In other words you can know a lot of music by many composers or you could know the catalogs of certain composers or performers. This gives you a clearer picture about the essence of their style. For example, I know that I love Johnny Mercer as a composer because I’ve learned several of his songs. I noticed he tends to write using a lot of chromaticism. I’m a fan of that. This way of learning songs is more organised than learning a bunch of random songs.
I saw how great musicians deal with mistakes on the bandstand. They let it go immediately, which minimises the negative effect on the performance. So usually an error lasts for about 1.5 seconds and they are already on to the next measure. They know what they did wrong, and so does everyone else. There is no sense in staying in that negative space.
I learned what it truly meant to be a professional musician and that is so much more than just the music. That is showing up a little early, rehearsed and ready, dressing the part and following whatever guidelines there are for the gig. It also means being cordial but not being a doormat. Knowing when to pushback when you’re being treated unfairly, was also a lesson I learned.
I learned about putting yourself out there. I love to watch other musicians improvise. They just jump right in. They have laser beam focus and are constantly listening to the music that is going on while being conscious of what they hear in their head. If they have a moment when they don’t hear anything, they stop playing until they hear something again and it’s not a big deal.
I learned how to be reactive when on stage. So many things can happen, and they do. The arrangement that was rehearsed suddenly gets a makeover because someone forgot something. We of course can’t stop in the middle, so we make it work and keep it moving.
This reactivity was extremely useful on tour last year because I was singing backup for a wonderful gospel singer from New Orleans, Bridget Bazile. She loves to sing amongst the audience but this particular stage didn’t have stairs so she had to leave from the wings and go into the stairwell. We had no idea she was going to do this. She turns to me and says, “take the lead,” and walked off stage. I picked it up without missing a beat and all was well. I was extremely proud that she knew without a doubt that I could handle anything she throws at me and that I have her back musically. That’s a good place to be.
Here’s one that we singers NEED to learn. We’ve gotta learn how to take direction and criticism without taking it personal. Usually band members are trying to get the best sound out of the entire band. They are serving the song meanwhile we’re often serving our ego. That has to stop. The sooner we can distinguish whether someone is being helpful or hurtful, the further we will go. It’s really necessary to have thick skin in this industry because you are simply not going to like what everyone has to say.
I learned pretty quickly that I didn’t know much when I started but that when I asked for help the musicians were more than happy to help. I was embarrassed at first but then I realised they actually wanted to help me. People like showing what they know!
Honestly, I could go on for days about the things I learned but I think you get the gist of it. The most helpful thing was that those people saw something in me and invited me to make music with them. That says something. That means that they expect me to be able to keep up and guess what, I did. They held me to high standards and because of this, I sang better than I would have sung without them. Simply by being with them my singing went to the next level.
So guess what I do now, I continue to play with the best musicians. I don’t get intimidated and ask myself if I have my place amongst them. I make sure that I’m always learning new things. I also study the musicians. I talk to them and ask them how they go about things. I get all kinds of answers but I use what sounds good to me.
Occasionally, I’ll have to play with some musicians who don’t have my experience and you know what I do? I gently but firmly kick their asses too. I’m expecting that they keep up and it ends up making them play better too. Each one, teach one!
Now go out there and find some musicians that you can learn from!
Musically,
Monique​
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Voici le scat du jour :
ĂŠtre le maillon faible
Salut Reader,
Tout au long de ma carrière de chanteuse, ce qui m’a le plus aidée à me construire, c’est d’avoir toujours été entourée de musicien·nes qui étaient meilleur·es que moi. Je veux dire par là que ces personnes me mettaient un coup de pied aux fesses, certaines avec douceur, d’autres un peu moins. C’était un peu intimidant au début, mais au bout du compte, cela a fait de moi une bien meilleure musicienne, et en beaucoup moins de temps que si j’avais été le plus gros poisson dans une petite mare. Non seulement la plupart de ces musicien·nes étaient meilleur·es que moi, mais beaucoup étaient aussi plus âgé·es, et je leur en suis sincèrement reconnaissante. Voici ce que j’ai appris en étant le maillon le plus faible :
J’ai appris à quel point il était important de connaître le langage musical. Si je veux me considérer comme une musicienne (oui, les chanteur·euses sont aussi des musicien·nes), je dois parler couramment le langage musical. Cela signifie que je dois être capable de parler des tonalités, des changements d’accords, des rythmes, de la structure des morceaux, etc.
J’ai appris à quel point ma culture musicale et mon histoire musicale étaient importantes. Les musicien·nes plus âgé·es connaissent énormément de morceaux, mais ils ont aussi souvent des anecdotes absolument géniales qui rendent les discussions sur ces morceaux passionnantes. Ils ont lu des biographies, vu des films sur le sujet et ont même rencontré et joué avec certain·es des plus grand·es. Connaître cette culture est indispensable si tu veux développer un son authentique, quel que soit le style dans lequel tu joues.
J’ai appris que les musicien·nes connaissent l’histoire de leur instrument. Un batteur avec qui je joue souvent peut te raconter absolument tout sur la manière dont la batterie moderne s’est constituée, sur l’évolution du son, sur le développement des techniques de batterie et sur les figures majeures de cette histoire.
Combien parmi vous connaissent l’histoire du genre musical dans lequel ils chantent et l’histoire de la technique vocale ?
J’ai appris qu’il était important de connaître beaucoup de morceaux, mais aussi des ensembles d’œuvres. Autrement dit, tu peux connaître beaucoup de morceaux de nombreux compositeurs, ou bien connaître les catalogues de certain·es compositeur·ices ou interprètes. Cela te donne une vision plus claire de l’essence de leur style. Par exemple, je sais que j’aime Johnny Mercer en tant que compositeur parce que j’ai appris plusieurs de ses morceaux. J’ai remarqué qu’il avait tendance à utiliser beaucoup de chromatisme dans ses compositions. Et j’adore ça. Cette manière d’apprendre les morceaux est plus organisée que d’en apprendre un tas au hasard.
J’ai vu comment les grand·es musicien·nes géraient les erreurs sur scène. Ils passent immédiatement à autre chose, ce qui minimise l’effet négatif sur la performance. En général, une erreur dure environ 1,5 seconde et ils sont déjà passés à la mesure suivante. Ils savent ce qu’ils ont fait de travers, et tout le monde le sait aussi. Cela ne sert à rien de rester dans cet espace négatif.
J’ai appris ce que signifiait réellement être une musicienne professionnelle, et que cela allait bien au-delà de la musique. C’est arriver un peu en avance, avoir répété et être prête, s’habiller de manière appropriée et respecter les consignes liées au concert. Cela signifie aussi être aimable, sans pour autant se laisser marcher sur les pieds. Savoir quand réagir lorsque l’on est traité·e injustement, c’est également une leçon que j’ai apprise.
J’ai appris à oser me lancer. J’adore regarder d’autres musicien·nes improviser. Ils se lancent tout simplement. Ils sont extrêmement concentrés et écoutent constamment la musique qui se déroule autour d’eux, tout en étant attentifs à ce qu’ils entendent dans leur tête. S’il leur arrive de ne plus rien entendre intérieurement, ils arrêtent de jouer jusqu’à ce qu’ils entendent à nouveau quelque chose, et ce n’est pas du tout un problème.
J’ai appris à être réactive sur scène. Il peut se passer tellement de choses, et c’est effectivement le cas. L’arrangement que nous avons répété se retrouve soudainement remanié parce que quelqu’un a oublié quelque chose. Bien sûr, nous ne pouvons pas nous arrêter en plein milieu, alors nous faisons en sorte que cela fonctionne et nous continuons à avancer.
Cette capacité de réaction m’a été extrêmement utile lors de la tournée de l’année dernière, car je faisais les chœurs pour une merveilleuse chanteuse de gospel originaire de La Nouvelle-Orléans, Bridget Bazile. Elle aime chanter au milieu du public, mais cette scène en particulier n’avait pas d’escaliers. Elle a donc dû sortir par les coulisses et rejoindre la cage d’escalier. Nous n’avions aucune idée qu’elle allait faire ça. Elle se tourne vers moi, me dit « prends le lead » et quitte la scène. J’ai pris le relais sans perdre une seconde et tout s’est bien passé. J’étais extrêmement fière qu’elle sache, sans l’ombre d’un doute, que je pouvais gérer tout ce qu’elle était susceptible de me faire improviser et que je serais là pour la soutenir musicalement. C’est une belle situation dans laquelle se trouver.
Voici une chose que nous, les chanteur·euses, DEVONS apprendre. Nous devons apprendre à recevoir des directives et des critiques sans les prendre personnellement. En général, les membres du groupe essaient d’obtenir le meilleur son possible de l’ensemble du groupe. Ils servent la chanson, tandis que nous, nous servons souvent notre ego. Cela doit cesser. Plus tôt nous serons capables de faire la différence entre quelqu’un qui cherche à nous aider et quelqu’un qui cherche à nous blesser, plus nous irons loin. Il est vraiment nécessaire d’avoir la peau dure dans ce milieu, parce que tu ne vas tout simplement pas aimer tout ce que les gens auront à dire.
J’ai assez vite compris que je ne savais pas grand-chose quand j’ai commencé, mais que lorsque je demandais de l’aide, les musicien·nes étaient plus que ravi·es de m’aider. Au début, j’étais gênée, mais j’ai ensuite réalisé qu’ils avaient réellement envie de m’aider. Les gens aiment montrer ce qu’ils savent !
Honnêtement, je pourrais continuer pendant des jours à parler de tout ce que j’ai appris, mais je pense que tu as compris l’idée générale. Le plus important, c’est que ces personnes voyaient quelque chose en moi et m’invitaient à faire de la musique avec elles. Cela veut dire quelque chose. Cela signifie qu’elles s’attendaient à ce que je sois capable de suivre leur rythme et devine quoi : j’y suis arrivée. Elles avaient des exigences élevées envers moi et, grâce à cela, j’ai chanté mieux que je ne l’aurais fait sans elles. Le simple fait d’être à leurs côtés a permis à mon chant de passer au niveau supérieur.
Alors, devine ce que je fais maintenant : je continue à jouer avec les meilleur·es musicien·nes. Je ne me laisse pas intimider et je ne me demande pas si j’ai ma place parmi eux. Je veille à toujours apprendre de nouvelles choses. J’observe également les musicien·nes. Je discute avec eux et je leur demande comment ils s’y prennent. J’obtiens toutes sortes de réponses, mais je retiens ce qui me parle.
De temps en temps, je dois jouer avec des musicien·nes qui n’ont pas autant d’expérience que moi, et tu sais ce que je fais ? Je leur botte gentiment mais fermement les fesses, à eux aussi. Je m’attends à ce qu’ils suivent le rythme et, au final, cela les pousse également à mieux jouer. Chacun·e transmet à un·e autre ce qu’il ou elle a appris !
Alors, maintenant, va dehors et trouve des musicien·nes auprès desquel·les tu pourras apprendre !
Musicalement,
Monique
Traduction fait par Carla Pulcini
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