🎤The Unforgettable Singer

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🇫🇷Français en Bas👇

Here's what I'm scatting about this week :

Copy that!

Hey Reader,

In African American culture, so many of our great entertainers learned purely from copying, whether it’s dancing, singing, cooking or any other art form. This tradition can easily be traced back to the oral traditions of Africa. In America, this way of learning was a necessity because music from this culture was not taught in schools.
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After more than 27 years of teaching, I am understanding that what most people consider to be talent, or things that cannot be taught, are actually skills that one teaches themselves through repeated acts of imitation.

Today’s newsletter is about how you can greatly improve your singing and develop your unforgettable style by spending time copying great singers.

When working on technique with students, I’ll give different scale patterns to sing. How quickly students are able to pick up the exact notes and rhythms lets me know where they are in their stage of development as far as imitation goes. But there’s more. As they advance, I will to expect them to pick up other information such as the vocal onset and cut offs, dynamic changes and eventually inflections once we start working on style. I will not explain all of these things to them, they must be able to pick them out. Explaining all of this would take too much time and also it creates a handicap because as a musician you are expected to hear this stuff.

So while some students may have been singing for many years, they haven’t been listening with accuracy for the same amount of years, which means they will still function as beginners, meaning inaccurate notes, and/or rhythms and phrasing etc.

In the African American church, we tend to use a lot of call and response in our singing. The choir is repeating after the lead singer or choir director who spontaneously comes up with new melodies or the congregation is repeating after the choir. There is no sheet music, so one has to listen carefully.

This can allow for some error on the part of each singer, BUT the requirement is simply to TRY to reproduce what you are hearing. Each singer will pick up what they can and as they get better at doing it, they will pick up more information. Not to say that there is anything wrong with learning from sheet music, BUT the limitation in this way of learning is that most of the phrasing we love in Black music cannot be annotated, and is therefore never completely accurate.

All this to say that if you want to be a great singer, you’re going to have to spend a considerable amont of time copying great singers. Ok I know what you are thinking, “But I don’t want to sound like 'name your favorite singer’, I want to sound like me”. To that I say sounding like your favorite singer is not as easy as you think, for it took them years to sound they way they sound. It took them a considerable amount of time copying their favorite artists and then making different choices based on their own taste, skill level and instrument.

If you listen to early Stevie, you’ll notice he was copying Ray Charles. But the Stevie we know and love today, sounds nothing like Ray. Stevie was also a huge fan of Donnie Hathaway. It all makes sense when you think of Stevie’s agility in his singing and yet, Stevie clearly sounds like Stevie!

Another example is Tevin Campbell. It is not hard to hear how much of a fan he was of Whitney Houston. As a tenor, the way he goes up into soprano range is absolutely spectacular. He approaches the voice just like her as she was a rangy singer, BUT Tevin is still Tevin!

Hopefully by now, you are convinced that copying other artists IS a necessary part of your vocal education, so let me show you how to get started.

Here is the blueprint to vocal greatness from copying :

IMITATION 👉🏾 EMULATION 👉🏾 CREATION 👉🏾 INNOVATION

1. Imitation : The goal here is accuracy and exposure. Copy notes, timing phrasing and articulation without judgment. The point is absorption. This stage builds coordination, listening and reliability. It’s not about identity, it’s about learning the language.

2. Emulation : The goal here is understanding and choice. Copy everything and start asking what is essential, what keeps showing up, what would I keep? You adapt ideas to your own instrument and context. This is where musicianship turns into taste.

3. Creation : The goal is ownership. You are no longer referencing one model. You merge multiple influences, your decisions feel natural and you can explain why you are doing something. People begin to recognise your sound.

4. Innovation : The goal is expansion of the language and this happens after the previous stages. You bend or break conventions intentionally. You introduce new solutions. People start copying you. This stage is earned authority, it is not random.

Now, with all of that said, you should have a better idea of where you are in this part of your musical training

Please keep in mind that these stages are not completely linear. You will go through steps 1-3 many times with different artists (hopefully both vocalists and non vocalists) BEFORE getting to step 4.

The most important thing I want you to remember is that this is not done in class. This is precious time you spend on your own. You are deciding who you copy and what you are copying from them and that is how you arrive at your uniqueness. It was good enough for Aretha and Michael and so it should be good enough for you, unless of course you’re content with reinventing a square wheel.

Go copy someone!

Musically,

Monique

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Voici le scat du jour :

Copie ça !

Salut Reader,

Dans la culture afro-américaine, tellement de nos grand·es artistes ont appris uniquement en copiant, que ce soit la danse, le chant, la cuisine ou n’importe quelle autre forme d’art. Cette tradition peut être facilement reliée aux traditions orales d’Afrique. En Amérique, cette manière d’apprendre était une nécessité, parce que la musique issue de cette culture n’était pas enseignée dans les écoles.

Après plus de 27 ans d’enseignement, je comprends que ce que la plupart des gens considèrent comme du talent, ou comme des choses qui ne peuvent pas s’enseigner, sont en réalité des compétences que l’on se développe soi-même à travers des actes répétés d’imitation.

La newsletter d’aujourd’hui parle de comment tu peux énormément améliorer ton chant et développer ton style inoubliable en passant du temps à copier de grand·es chanteur·euses.

Quand je travaille la technique avec mes élèves, je leur donne différents motifs de gammes à chanter. La vitesse à laquelle iels arrivent à reproduire exactement les notes et les rythmes me permet de savoir où iels en sont dans leur stade de développement en matière d’imitation. Mais il y a plus que ça. À mesure qu’iels avancent, je m’attends à ce qu’iels captent d’autres informations comme l’attaque vocale et les fins de phrase, les changements de dynamique et, plus tard, les inflexions quand on commence à travailler le style. Je ne vais pas leur expliquer toutes ces choses, iels doivent être capables de les repérer. Tout expliquer prendrait trop de temps et, en plus, ça crée un handicap, parce qu’en tant que musicien·ne on est censé·e entendre ce genre de choses.

Donc, même si certain·es élèves chantent depuis de nombreuses années, iels n’ont pas écouté avec précision pendant le même nombre d’années, ce qui signifie qu’iels fonctionnent toujours comme des débutant·es : notes imprécises, et/ou rythmes et phrasé, etc.

Dans l’église afro-américaine, on utilise beaucoup le chant en call and response. Le chœur répète après le ou la soliste ou le ou la chef·fe de chœur qui invente spontanément de nouvelles mélodies, ou bien la congrégation répète après le chœur. Il n’y a pas de partition, donc il faut écouter très attentivement.

Ça peut permettre certaines erreurs de la part de chaque chanteur·euse, MAIS la seule exigence est simplement d’ESSAYER de reproduire ce que tu entends. Chaque chanteur·euse captera ce qu’il ou elle peut, et en s’améliorant avec la pratique, il ou elle captera de plus en plus d’informations. Ça ne veut pas dire qu’il y a quoi que ce soit de mal à apprendre à partir d’une partition, MAIS la limite de cette façon d’apprendre, c’est que la plupart du phrasé qu’on aime dans la musique noire ne peut pas être noté, et donc n’est jamais complètement fidèle.

Tout ça pour dire que si tu veux être un·e grand·e chanteur·euse, tu vas devoir passer un temps considérable à copier de grand·es chanteur·euses. Ok, je sais ce que tu penses : « Mais je ne veux pas sonner comme “nomme ton·ta chanteur·euse préféré·e”, je veux sonner comme moi ». À ça je réponds : sonner comme ton·ta chanteur·euse préféré·e n’est pas aussi facile que tu le penses, car ça leur a pris des années pour sonner comme ils ou elles sonnent. Ça leur a pris énormément de temps à copier leurs artistes préféré·es, puis à faire des choix différents en fonction de leur propre goût, de leur niveau et de leur instrument.

Si tu écoutes le Stevie des débuts, tu remarqueras qu’il copiait Ray Charles. Mais le Stevie qu’on connaît et qu’on aime aujourd’hui ne sonne pas du tout comme Ray. Stevie était aussi un grand fan de Donny Hathaway. Tout ça a du sens quand tu penses à l’agilité de Stevie dans son chant, et pourtant, Stevie sonne clairement comme Stevie !

Un autre exemple est Tevin Campbell. Ce n’est pas difficile d’entendre à quel point il était fan de Whitney Houston. En tant que ténor, la manière dont il monte dans le registre de soprano est absolument spectaculaire. Il aborde la voix exactement comme elle, puisque c’était une chanteuse avec une grande étendue, MAIS Tevin reste Tevin !

J’espère que maintenant tu es convaincu·e que copier d’autres artistes EST une partie nécessaire de ton éducation vocale, alors laisse-moi te montrer comment commencer.

Voici le plan vers la grandeur vocale par la copie :

IMITATION 👉🏾 ÉMULATION 👉🏾 CRÉATION 👉🏾 INNOVATION

1. Imitation : Le but ici est la précision et l’exposition. Copie les notes, le timing, le phrasé et l’articulation sans jugement. Le but est l’absorption. Cette étape construit la coordination, l’écoute et la fiabilité. Ce n’est pas une question d’identité, c’est une question d’apprentissage du langage.

2. Émulation : Le but ici est la compréhension et le choix. Copie tout et commence à te demander ce qui est essentiel, ce qui revient sans cesse, ce que tu garderais. Tu adaptes les idées à ton propre instrument et à ton contexte. C’est là que la musicalité devient du goût.

3. Création : Le but est l’appropriation. Tu ne te réfères plus à un seul modèle. Tu fusionnes plusieurs influences, tes choix te semblent naturels et tu peux expliquer pourquoi tu fais quelque chose. Les gens commencent à reconnaître ton son.

4. Innovation : Le but est l’expansion du langage, et ça arrive après les étapes précédentes. Tu plies ou tu brises les conventions intentionnellement. Tu introduis de nouvelles solutions. Les gens commencent à te copier. Cette étape est une autorité méritée, elle n’est pas aléatoire.

Maintenant, avec tout ce qui a été dit, tu devrais avoir une meilleure idée de l’endroit où tu te situes dans cette partie de ta formation musicale.

Garde en tête que ces étapes ne sont pas complètement linéaires. Tu passeras par les étapes 1 à 3 de nombreuses fois avec différents artistes (idéalement à la fois des vocalistes et des non-vocalistes) AVANT d’arriver à l’étape 4.

La chose la plus importante que je veux que tu retiennes, c’est que ça ne se fait pas en cours. C’est un temps précieux que tu passes seul·e. Tu décides qui tu copies et ce que tu copies chez eux ou elles, et c’est comme ça que tu arrives à ton unicité. C’était assez bien pour Aretha et Michael, et ça devrait l’être pour toi aussi, à moins bien sûr que tu sois content·e de réinventer une roue carrée.

Va copier quelqu’un !

Musicalement,

Monique

Traduction fait par Carla Pulcini

Bâtiment 19 rue des Terres Neuve 33130 BEGLES

FRANCE
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